El Club de la Lucha

Después de publicarlo como colaboración en el blog de Crowley Tengo Boca y no Puedo Gritar me reedito a mi mismo para darle nota a esta joyita imperecedera del siglo pasado y que sigue levantando pasiones, y de paso cuelgo la prometida foto de Matías Prats

Fight Club (1999)
David Fincher

Fincher debutó en el cine rodando escenas de miniaturas y fotografiando fondos para la ILM de Lucas en Star Wars, Indiana Jones y rodando posteriormente las giras de Madonna y Aerosmith. Se ve que algo aprendió en el proceso, ya que sus productos posteriores son tan entretenidos (anque poco sustanciosos) como Seven, o Alien-3. Pero Fincher nos guardaba una sorpresa para fin de la década, un proyecto arriesgado, ambicioso y lleno de filosofía de estercolero para arrearle a la audiencia donde más duele: cancer de testículos, jabón de grasa humana y lo peor, el fracaso de Ikea para llenar nuestras vidas de alegría. Soy la Audiencia Cabreada de Jack.


Jack, supuesto nombre del narrador, es un insomne y agobiado agente de seguros. Ni el dinero ni el prestigio le han dado la tranquilidad espiritual que promete el sistema. Su autorrealización se ha convertido en su pesadilla, aquello que posee acaba poseyéndole y su única motivación es asistir a grupos de terapia para sentirse en contacto con la gente. Quiza no era el mejor momento para conocer a Marla, otra yonkie del sufrimiento solitario y candidata al suicidio por méritos propios. Tampoco era el momento de conocer a Tyler Durden, vendedor de jabones y su equivalente doméstico del Anticristo.


"La Primera regla del Club de la lucha es No Hablar del Club de la Lucha." De esta forma Fincher nos reta a un desafío: hablar de la película sin contar nada sobre ella, popularizarla por el boca-a-boca (era pre-internet, almenos por aquí) y reservar al nuevo público una de las películas mas míticas del siglo pasado, quizá algo ensombrecida por otras maravillas tecnológicas (véase The Matrix) pero mucho mas punzante y doliente. Asocial, vandálica, peligrosa y orgullosa de ello, desde la enternecedora imagen de Edward Norton llorando desconsolado sobre los enormes pechos de Meat Loaf al final mas erecto que se puede encontrar en un cine sin cuarto oscuro.



No la llamo peligrosa por su entonada dosis de filosofía nihilista y cargante, por sugerir petardillos caseros a base de celulitis reciclada, ni por hacer añicos unos cuantos autos pijos, todo eso no son mas que bobas falacias de relleno. La llamo peligrosa porque en el fondo todos sabemos que hay cosas que, de vez en cuando, son la pura verdad: A veces la autorrealización sólo consiste en comprarse caprichos caros, (o sea, masturbación en cómodos plazos), a menudo el progreso sólo consiste en poner a mas personas entre la mierda y uno mismo, y mientras echamos nuestros cuerpos al engranaje del sistema pensamos que algún día, no muy lejano, seremos aquello que hemos aprendido a querer ser: los que viven un piso y una calle por arriba nuestro.



Para interpretar esta gran ópera bufa nadie mejor que un entonado Norton en un papel irrepetible y el nunca creible pero siempre sincero Pitt en otro de aquellos papeles memorables que tuvo cuando se ponía en el tema (al que le seguiría Snatch, otra de mamporros a puño cerrado), y la nada desdeñable presencia de Helena Bonham, Meat Loaf o Jared Leto de comparsa. Grandes papeles con brillantes explosiones creativas a juego con el endemoniado ritmo de creación y multiplicación del conflicto. Muy currados el DdP, DA+DD, escenas de lucha que no llegan a Danny the Dog o las orgias caníbales de Takashi Miike pero muy dolorosas igualmente, y un espectacular montaje audiovisual acorde a la enorme tensión narrativa para llegar, desde las mas altas cotas de la miseria espiritual, a tocar fondo justo cuando conviene, a cosa de un minuto del final.



Otro de los motivos por los que nunca me cansaré de esta película es por mejorar con cada visionado, interpretar las pistas del juego correctamente y seguir todos los guiños del guión a su ritmo es otra apasionante característica de esta obra de culto; no son pocas las pistas del final pero como un buen artificio mágico, a veces se disfruta mas cuando ya lo has visto y sigues sin poder entender cómo puede llegar a suceder. Las transformaciones del gran personaje al que cariñosamente se le puede llamar Jack para sacarle de su feroz anonimato dejan pequeño a un contorsionista chino.


Y la ironía final: pueden ustedes comprar esta película en una lujosa edición de cartón, con un libreto lleno de extravagancias y postales de producción, para que no desentone en la mejor de las videotecas. Y es que a veces hay que ser masoca para ir al cine a que un escritorcillo de nada te lea la cuartilla, y más masoca aún para ignorarlo y seguir como si nada, publicando blogs como si eso fuera a cambiar el mundo. Soy la paradoja mental de Jack.

Lucifer, esta vez como Becario de Crowley, sentencia:





@ Absurda
@@ Mediocre
@@@ Interesante
@@@@ Terrible
"@@@@@" Catastrófica

(Post Patrocinado por el Banco Naranja)

20.000 leguas de viaje submarino

20000 Leagues Under the Sea
Richard Fleischer (1954)

Hoy tengo el immenso honor de reabrir la temática de submarinos con el que es, sin duda, el mas ilustre y fundador del género: la popular obra de Jules Verne, grande entre los grandes, llevada a la gran pantalla por la Disney en su faceta mas familiar. No fue la primera, ya habían caido tres intentos anteriores, pero fue esta la que será siempre recordada. Y también con la primera dirección importante de Fleischer, otro de los peces gordos de toda la historia del cine, a la que seguirian títulos tan dispares como Los Vikingos, Soylent Green o Tora!Tora! Y eso que ya había ganado su Oscar en 1947 por un documental sobre Pearl Harbour y la historia de Japón.


El Profesor Aronnax investiga extrañas desapariciones de barcos en el océano Indico cuando es atacado por un monstruo gigantesco. El extraño bicho metálico no es otra cosa que el Nautilus, un revolucionario submarino de incalculable valor bélico dirigido por un resentido llamado Nemo. El mundo le deparó un cruel destino, pero siempre hay tiempo para el odio y la venganza.



Lo primero a destacar de esta película es que fue rodada en un espectacular formato panorámico de última generación, el 2,55:1 sobre negativos de 35mm. Este formato, unos cuantos 'metros' más ancho que el establecido 'cinemascope' 2,35:1 fue conseguido por medio de lo que llamaron lentes anamórficas, capaces de imprimir en los negativos formatos más estrechos sin perder resolución a base de expandir la imagen verticalmente y posteriormente revertir el efecto usando una lente inversa (anamórfica) durante la proyección. Esta moda se expandió posteriormente con otras super-producciones super-estrechas a lo Ben-Hur (formato 2.76:1) pero ya con negativos de 70mm, y son la causa de que nuestras televisiones se conviertan en una minúscula ventanita llena de lineas negras cada vez que reponen uno de estos clásicos, y de que existan versiones "fullscreen" salvajemente mutiladas a base de cortar los trocitos laterales de película. Rechace Imitaciones! [Para hacerse una idea, 2,55 :1 es la relación alto/ancho de una tarjeta de crédito cuyo ancho ha aumentado el alto de otra tarjeta de crédit0]



Medios técnicos aparte, estamos hablando de una producción de estudio con, eso si, decenas de planos subacuáticos rodados en las Bahamas, caníbales de los de toda la vida con sus canoas y por supuesto un juego completo de Nautilus de todos los tamaños para dar vida a la fantasía tecnológica de Verne, que para variar se anticipó casi un siglo al submarino eléctrico y a la loca carrera armamentística que fue el s.XX. El montaje, nominado al Oscar, se ve de un corta-y-pega de aficionado pero, para los estándares de la época, se merece el reconocimiento y los numerosos galardones cosechados aunque hoy un escolar lo pueda hacer mejor a base de computadora.

Como suele pasar en las pelis de fantasía que pasan por el despacho de Lucifer, la dirección artística y decorados son un punto clave en las recreaciones de mundos imaginarios e imposibles, en este caso materializados en la exquisita elaboración de los interiores del Nautilus y el bello modelo exterior a tamaño natural, quizá no muy funcional pero perfectamente adecuado tanto a las descripciones de Verne como a su puesta en escena bajo las mas duras condiciones de prueba, los tanques de agua de los estudios Disney. (Si, es un barco muchísimo mas grande por dentro que por fuera, pero ...). La emblemática sala de calderas o los aposentos de Nemo, con su órgano y su fijación por la Tocata en Re menor, un clásico de los megalómanos caóticos vengativos, son otras muestras no de la magna obra de Verne (todos esos detalles son cosecha Fleischer) pero si de un mito y para muchos obra cumbre del género de aventuras clásicas.


La adaptación se se simplifica en exceso, quedando reducida a las peripecias del Nautilus por el Pacífico, en los alrededores de la fantástica isla de Vulcania, pero conserva la esencia de la narrativa: imagenes submarinas, descripciones taxionométricas de la flora y fauna oceánica y algunos añadidos como una simpática foca y toda la filosofía de autosustento de Nemo: cosechar el océano, no depender de la tierra para casi nada y vivir en su jaula de ciencia y cultura y fría venganza contra las sociedades humanas. Aparte de la bochornosa escena de los caníbales (hay mas fallos de continuidad y sentido común en esa escena que en 30 años de cine) el resto de aventuras son una muestra de buen criterio y mejor resultado en el campo de las aventuras, enlazando diversas etapas del libro para no encallarse mucho y avanzar en la narración a paso rápido.

Pero no todo son peleas de marineros y calamares gigantes, esta película destapa sin duda la más negra pena de Jules Verne, la exploración de sentimientos tan negativos como la venganza, el odio y el asesinato a sangre fría. El Capitán Nemo es la pura Némesis de la sociedad civilizada, la casi-justa represalia contra las naciones imperialistas y todopoderosas y la imagen especular de lo que podía deparar (y desgraciadamente deparó) el futuro cercano. Apenas 30 años después el mar hirvió de sangre en todo el mundo con la 1a guerra mundia, causada entre otros motivos por la carrera tecnológica, el desarrollo de armas infames y la dominación de los mares y las colonias subdesarrolladas por parte de los cuatro de siempre.



El debate moral empezó previo a la publicación del libro, pues su editor no veía con buenos ojos que un personaje como Nemo no fuera claramente identificado como El Gran Malvado mientras que Verne prefería dejarlo en una peligrosa ambiguedad moral. El Odio, la Venganza y la Guerra existen y son tan reales como las tropelías del Imperio Británico allí donde la garra del león dejó su huella. Afortunadamente el libro vió la luz casi intacto, (y es que meterse con los Ingleses también le era provechoso) y gracias a ello presenciamos el interesante debate entre cuatro puntos de vista antagónicos, el tecno-caos de Nemo, el humanismo ilustrado pro-científico del Pr. Arnonnax, el humanismo populachero de su ayudante Conseil y el populacho caótico e irascible personificado por el arponero canadiense . Fijaos en que cada uno tiene dos atributos, uno de cada una de las personas que le rodean en este círculo vicioso. Kirk Douglas, en su salsa como arponero bravucón y pendenciero, Peter Lorre en un perfecto papel de imbécil y James Mason en un papel de Nemo arrogante, inteligente y agudo, junto con el soso Aronnax sacan adelante los entresijos, nunca resueltos del todo, de este debate filosófico de "gran profundidad."

En esta versión Disney el Capitán Nemo también es listo, culto y sabe de que va el mundo, pero se parece bastante a un malo de Spectra salvo por el gato, o casi. Esta vez lo convierten en un maníaco romántico y perseguido por el destino moral que se ha labrado, con un final mucho mas explícito y sin tantas dudas morales. Y sospechosamente occidentalizado, almenos los indios que conozco son como mas morenos, como los de Slumdog Millionarie y mucho mas. Además eliminan por completo toda referencia al Imperio Británico, generalizando el concepto de Imperialismo a todas las naciones beligerantes en todas las guerras, proponen un final donde las virtudes se imponen a los defectos y edulcoran a Ned Land como un buen tipo, aunque hoy en día tendría que vivir en Japón para no caer en manos de Greenpeace y Nemo sería un vulgar terrorista. El tiempo, para variar, le daría otra medalla póstuma a Jules Verne.

Por sentar las bases del cine de aventuras post-Tarzanesco con algo de base moral:



@ Absurda
@@ Inofensiva
@@@ Peligrosa
@@@@ Terrible
@@@@@ Catastrófica


Donnie Darko

Donnie Darko
Richard Kelly (2001)

Kelly es uno de estos casos raros de yo me lo escribo yo me lo como que, si no en gran cantidad, almenos ha hecho cosas nuevas, desafiantes y con una implicación muy personal. Tras los últimos fiascos parece haberse retirado al despacho de producción pero, quién sabe, quizá algun día se saca de la chistera algun conejo asesino como el de la paradójica historia que le dió a conocer. Película de culto absoluto, se presta a mas interpretaciones de las que puedo tratar aquí.



Donnie es un adolescente esquizofrénico y sonámbulo, con un amigo imaginario bastante siniestro, el conejo Frank. Una paradoja espaciotemporal fractura la ya debilitada realidad de Donnie para mostrarle realidades mas allá de los aburridos cinco sentidos. La fecha está fijada, en 28 días todo acabará en un apocalipsis de fuego. Donnie dispone de un mes para arreglar las cosas con su familia, amigos, y sobretodo con Frank.

Delirante historia, nunca del todo explicada ni explicable, de como convertir el conejo de Alicia en un mensajero del futuro, en un lugar donde las pastillas alucinógenas parece que se las hayan tomado los supuestos cuerdos, envueltos en el aura de santidad del neoconservadurismo religioso, el culto al mas payaso y el perpetuo deja-vu de quien tiene valiosa información del futuro pero sin mucho talento para emplearla.

Esta película tan fantástica y llena de misterios no ha dejado de generar polémica desde su estreno, obra de culto y mito absoluto para unos y una bazofia sin sentido para otros, pero tiene un encanto que la coloca entre lo mas potable de la primera década del s.XXI. Uno de sus peores enemigos es un argumento tan inexplicable que, entre viajes en el tiempo, percepción extrasensorial y mensajes del más allá, exige más que complicidad, una total empatía con su protagonista y su mundo para que llegue a impactar, ya que un repaso frio del guión deja tantos cabos sueltos que se podría armar un barco con ellos. Por suerte el enorme esfuerzo para contextualizar a Donnie, su entorno y circunstancias, bajan este listón a un nivel más que asequible para entender las extrañas peripecias a las que se somente.



Porque Donnie nos cae bien, es un loco simpático y amable, con una lucidez propia que a menudo se echa en falta a la gente cuerda. Pese a su carácter claramente anti-heroico, resulta mas sencillo creer en Donnie que en la bolsa de palomitas que tenemos en la mano. Un gran trabajo de Gyllenhaall (premio al mejor beso de Hollywood), Mary McDonnell (Galactica) y rescate de un Patrick Swayze aun potente como antagonista, el héroe americano por excelencia, el charlatán enlatado. Ah, y la Drew Barrimore de propina, aunque con un papel muy marginal. Conseguir que, para variar, nos caiga mejor un chico con brotes esquizofrenicos, es el gran tema a valorar aquí, aparte de ser el medio de recepción de las calves del futuro y todo eso que ya sabeis (o espero que sepais pronto.


Otro punto a destacar es la excelente sonorización, los pocos efectos visuales y una selección melódica de antología para ilustrar lo que llamaríamos el "mundo real", cuidada escenografía con numerosas localizaciones y muchos esfuerzos para "normalizar" la película a toda costa, planteando una idílica ciudad medio campestre con campos de golf, el sueño de toda clase media-alta para prosperar y vivir cómodamente. Hay alguna parte al principio que recuerda mucho al Lynch de Blue Velvet, eso si, con una música algo mas modernilla. Incluso el mítico clip "Mad World" en versión de Gary Jules fue dirigido por Michel Gondry


Luego el tiempo le ha dado esta película un aire de culto algo exagerado, pretendiendo explicaciones verosímiles aun mas estúpidas de lo que uno pueda imagiar por si mismo (les suena LOST y esas cosas? Esta película ahora sería un taquillazo seguro...) y por otra parte parece obviar sus mejores bazas, que no es justamente un argumento asimilable o deducible sino todo lo contrario, su mejor punto es su inefabilidad celestial y la belleza con la que se cierra el círculo, emocionante y de esos finales que no por sorprendentes dejan de poner la piel de gallina.


Dicho sea de paso, hay una versión extendida con metraje nuevo que pretende sentar cátedra y explicar el "verdadero desenlace", pero en este caso me parece mucho mas divertido especular con posibilidades que ceñirse a una historia que, se cuente como se cuente, está pillada por los pelos y no debe centrarse en un guión explicable científicamente

Mi recomendación: vean la película orginal, saquen las conclusiones oportunas y repitan el proceso hasta ver al conejo Frank en sueños. Luego ya pueden ver lo que quieran en el orden que quieran que les dará igual... A todo esto, les refiero a la currada de web donde se pretenden dar pistas sobre la versión oficial de la película. Bastante entretenido si uno dispone de dos o tres horas para perderse en los detalles. Ignoren explicaciones facilonas que pretenden resumir este arte en un juego de palabras, artificios temporales y otras verdades ocultas.

Por comparar la lúcida mente de un esquizo con el héroe del sueño americano:


@ Absurda
@@ Inofensiva
@@@ Peligrosa
@@@@ Terrible
@@@@@ Catastrófica








La arroba de Oro:¿WTF?




La Arroba de Oro:


Esta vez sólo una preguna y muy simple

¿Quien es la preciosa chica de la foto?

(Nombre intérprete, personaje y película)








¿Qué otros personajes interpreta?

Los Caballeros de la mesa cuadrda

Monty Phyton and the Holly Grail (1975)
T. Gilliam, T. Jones.


# Mønti Pythøn ik den Hølie Gräilen
# Røtern nik Akten Di
# Wik
# Alsø wik
# Alsø alsø wik
# Wi nøt trei a høliday in Sweden this yër?
# See the løveli lakes
# The wøndërful telephøne system
# And mäni interesting furry animals

# The Characters and incidents portrayed and the names used are fictitiousand any similarity to the names, characters, or history of any person isentirely accidental and unintentional.

Signed RICHARD M. NIXON

# Including the majestik møøse
# A Møøse once bit my sister...

# No realli! She was Karving her initials on the møøse with the sharpened end of an interspace tøøthbrush givenher by Svenge - her brother-in-law - an Oslo dentist and star of many Norwegian møvies: "The Høt Hands of an OsloDentist", "Fillings of Passion", "The Huge Mølars of HorstNordfink"...

# We apologise for the fault in the subtitles. Those responsible havebeen sacked.

# Mynd you, møøse bites Kan be pretty nasti...

# We apologise again for the fault in the subtitles. Those responsible for sacking the people who have just been sacked have been sacked.

# Møøse trained by YUTTE HERMSGERVØRDENBRØTBØRDA
# Special Møøse Effects OLAF PROT
# Møøse Costumes SIGGI CHURCHILL
# Møøse Choreographed by HORST PROT III
# Miss Taylor's Møøses by HENGST DOUGLAS-HOME
# Møøse trained to mix concrete and signcom plicated insurance forms by JURGEN WIGG
# Møøses' noses wiped by BJØRN IRKESTØM-SLATER WALKER
# Large møøse on the left hand side of the screenin the third scene from the end, given a thoroughgrounding in Latin, French and "O" LevelGeography by BO BENN
# Suggestive poses for the Møøse suggested by VIC ROTTER
# Antler-care by LIV THATCHER
# The directors of the firm hired to continue the credits after the other people had been sacked, wish it to be known that they have just been sacked.The credits have been completed in an entirely different style atgreat expense and at the last minute.

# Executive Producer JOHN GOLDSTONE & "RALPH" The Wonder Llama

# Producer MARK FORSTATER
# Assisted By EARL J. LLAMA, MIKE Q. LLAMA III, SY LLAMA, MERLE Z. LLAMA IX
# Directed By40 SPECIALLY TRAINED ECUADORIAN MOUNTAIN LLAMAS
# 6 VENEZUELAN RED LLAMAS
# 142 MEXICAN WHOOPING LLAMAS
# 14 NORTH CHILEAN GUANACOS (CLOSELY RELATED TO THE LLAMA)
# REG LLAMA OF BRIXTON

# 76000 BATTERY LLAMAS FROM "LLAMA-FRESH" FARMS LTD. NEAR PARAGUAY and
TERRY GILLIAM & TERRY JONES


Interesante comedia, entre surrealista y paródica, de los mitos ingleses, desde su (por otra parte, comprensible) aversión a los franceses a los esperpénticos cuentos de caballería relacionados con eventos mitológicos, gestas, conventos de monjas, el nacimiento de la ciencia y los coros y danzas de Camelot. Y con los dibujos esos de Gilliam.

El hilo argumental del Monty Phyton mas televisivo no suele ir más allá del medio minuto, por tanto plantearse una película estándard requería un esfuerzo de colosales dimensiones almenos en el terreno neuronal si no en el presupuesto. Por tanto no es extraño que ciertas imágenes como el alegre trote de los caballos (hay realmente muchos, montones, millones, toneladas de caballos en esta película) o las esforzadas rimas del bardo de Sir Robin (el de la gallina) sean ya un patrimonio de la humanidad. Bueno, almenos de la humanidad que tiene tiempo y recursos para ver pelis antiguas, europeos o americanos y de habla preferentemente inglesa y de menos de 40 años. O sea que quízá no sea toda la humanidad pero un significativo 0.01% de ella conoce esta película y posiblemente a muchos les haya gustado.


Bajo este hilo mas simbólico que otra cosa (el Rey de los Bretones vaga por esas tierras reclutando caballeros para Camelot) se desgranan sucesivamente docenas de gags mas o menos elaborados, chocantes, brillantes o simplemente inefables (estoy investigando lo del caballero negro, cuando descubra donde está la gracia ya os lo hago saber). Eso si, los buenos son inolvidables.

La adaptación del screenplay estuvo algo mal informada, el Conejo de Troya era una táctica demasiado conocida por los francófonos residentes en Gran Bretaña para pensar que podría tomar por sorpresa a una cultura que ya había inventado el Imperio Carolingio mientras sus vecinos iba por ahí pintados de pictos y haciendo cosas raras por los bosques.

El diseño de producción es algo más decente, consigue recrear con poco dinero lo que sin duda se hizo históricamente con poco dinero, aparece tan sucio y descuidado como seguramente era en la época y no faltan detalles de calidad en el apartado del ganado doméstico, especialmente en las vacas y los gansos, auténticos detalles de calidad que se hiciera con vacas y gansos, respectivamente. Los efectos visuales son también precarios, prespectiva forzada y armatostes gigantes para animar las tenebrosas localizaciones del bosque de Wiik, el castillo de Aaarg o el parque ese al lado de Picadilly, algo mas de presupuesto que en su serie televisiva pero por ahí.


Musicalmente tiene un famoso tema, famoso por repetirse hasta la saciedad, y poco mas aparte del currado intermezzo de Camelot y la esforzada rima de Sir Robin, pero en otros aspectos el carácter trovadoresco anda algo flojo, digo yo que no costaba tanto poner algo de laúd de fondo y tal, ya que los efectos sonoros son escasos almenos llenar los silencios.

Bueno, la verdad es que me han fascinado más otras películas de Gilliam, o ya puestos un par de sesiones de M.P. Flying Circus, sobretodo si sale el del Loro, esto sería una colección de temática Artúrica de alto nivel y una vuelta de tuerca tan necesaria como satisfactoria, pero demasiado televisivo como para ser una sesión de cine por todo lo alto. Hay muchos gags ligados entre si, y eso es bueno, pero otros quedan algo colgados. Me reservaré por tanto algunas arrobas para las siguientes producciones.

Por decisión tomada en la mesa octogonal, mis mitológicos señores opinan:



@ Absurda
@@ Mediocre
@@@ Inspired Lunacy
@@@@ Peligrosa
@@@@@ Catastrófica


Por cierto, la velocidad de una paloma africana es de 11 m/s, batiendo sus alas de 7 a 9 veces por segundo. Cuando uno es blogger tiene que saber estas cosas...